LUZ Y COLOR ISBN: 978-84-415-3672-2
Este libro se encarga de examinar las dos herramientas más necesarias de un pintor; el color y la luz. Consiste en una mezcla de teoría sobre el funcionamiento de estas e indicaciones para llevarlo a la práctica dando referencias de pigmentos específicos, tipos de luz recomendados para diferentes situaciones u obras e incluso una guía para elegir la paleta adecuada.
Nos encontramos ante el autor James Gurney, un artista que en gran parte le debe su actual fama a su capacidad de adaptación a los nuevos medios. A pesar de que su creación más famosa sería la serie de ilustraciones que tiene para su libro Dinotopia, actualmente muchos de sus seguidores acceden constantemente a su contenido mediante su blog (que en su mayoría se basa en material de apoyo/información sobre arte o a entrevistas que le han realizado) o su canal de Youtube, donde sube videos sobre el proceso de realización de sus obras e incluso tutoriales. James es un artista que demuestra en sus creaciones como está en constante aprendizaje a pesar de que ya no está en la edad que normalmente se consideraría la común para ello, ya que este artista americano tiene 61 y una amplia formación en distintas ramas que pasan por ingeniería mecánica, arqueología e ilustración. Destaca por sus amplios trabajos en el mundo de las portadas en libros de ciencia-ficción que le llevaron a alcanzar importantes encargos para empresas como National Geographic o exponiendo en museos de la importancia de National Museum of Natural History. A pesar de que su información pública es reducida, mediante sus videos en Youtube puedes ver pinceladas de todo lo que sabe y como siente esa pasión por enseñarle a la gente como manejar materiales, luz, color y todo tipo de técnicas plásticas.
Obras interesantes para entender al autor:
A continuación, dejo los enlaces a las respectivas páginas de las que he hablado:
https://www.youtube.com/user/gurneyjourney/featured
http://gurneyjourney.blogspot.com/
En cuanto a su escuela doctrinal este artista se debate entre lo moderno y lo tradicional escogiendo así las ventajas de ambos. Si observamos su recorrido profesional y sus referencias podemos observar cómo está abierto a todo tipo de formas artísticas (siguiendo unas reglas claves obvias como en este caso son la luz y el color) dándole así paso a un gran abanico de oportunidades creativas.
En este libro los argumentos se basan en la explicación de la luz y el color como dos elementos relacionados y que a pesar de no ser tan fáciles de ver bajo un análisis puedes notar como ambas influyen de una manera destacable sobre el ambiente y los sentimientos que se transmiten la obra. El fin de este libro es lograr un planteamiento antes de la realización misma de cualquier creación artística en el mundo plástico sobre la iluminación que va a tener, la forma, la gama cromática a emplear y como esta visión principal de un proyecto puede ir variando ya que la visión es un proceso creativo. A medida que nos habla de los elementos nos introduce parte de su historia y sus orígenes llegando a conclusiones como que el arte puede ser de muchas formas distintas y no por ser realismo es mejor. James Gurney nos enseña a través de este viaje del mundo de la lectura que tenemos suerte de los medios que tenemos actualmente ya que podemos llegar a muchos más artistas en todo momento y esta también es una forma de aprender; observar, compararse, inspirarse y mejorar gracias a lo que absorbes mediante el simple hecho de observar más allá de las obras de uno propio.
Sin embargo, a este libro le añadiría más guías prácticas, con esto me quiero referir a ejercicios de color dadas las ayudas cromáticas que te aporta en el libro, pensamientos de composición o planteamientos de planos y luces para simplificar (o acomplejar) una obra. En el libro menciona bastantes materiales como pasteles, témperas, acrílicos, acuarelas y óleos, sin embargo, los ejemplos son en su mayoría de óleo o acrílico y considero que se debería haber tratado más el tema de los diferentes materiales (dejando de lado el apartado de estos frente a cómo actúan con el tiempo bajo la exposición de la luz (apartado de Estabilidad, en Pinturas y Pigmentos). Finalmente me habría gustado una mención a los diferentes tipos de soporte ya que considero que esto también afecta a la luz de la obra por los pigmentos en cada material (una guía rápida sobre la recomendación de soportes respecto a cada material) y bastante información sobre la luz y el color en el arte digital ya que actualmente está en auge y lo considero igual de elemental que las prácticas artísticas tradicionales (incluso llegando a ser más complicado el trato de la luz en el mundo digital).
Otros autores que tratan el mismo tema, pero de una manera diferente serían Betty Edwards (El Color) Martín Roig, Gabriel (Manual práctico del color para artistas) o el mismísimo Goethe con su libro Teoría de los colores
Considero que este libro es inaplicable a la enseñanza ya no solo primaria, sino que secundaría tampoco, ya que para comprender tantos términos considero que debes de llevar una trayectoria de educación artística mínima que además es necesaria para ser capaz de ver todo lo que te explica de manera práctica en las imágenes que te indica. Al ser un libro denso ya no solo físicamente, sino que trata cada tema con mucho detalle, considero que tampoco habría tiempo físico para aplicar todos estos conocimientos en unos
alumnos que previamente no han estado constantemente escuchando sobre estos elementos ya que la retención sería bastante baja y por lo tanto a mi parecer poco efectiva. Lo apropiado debería ser un punto medio entre lo que se enseña actualmente sobre el color y la luz (que se queda bastante alejado de lo que se podría dar) y la información de este libro, de manera que cada persona pueda apreciar ya no solo las obras de artes sino la luz y el color de todo lo que le rodea en su día a día junto con las composiciones y las paletas que predominan en los diferentes escenarios de nuestra vida cotidiana.
A mí me ha aportado un gran repertorio de vocabulario artístico que, o desconocía o no comprendía del todo bien el significado. Gracias al glosario que tiene al final me he podido parar con detenimiento a confirmar definiciones que ya tenía en mi cabeza y a añadir otros términos nuevos. Además de esto, después de leerlo he llegado a la conclusión de que no es un libro de una lectura y queda inutilizado, sino que es una guía a la que poder acceder constantemente cada vez que necesites dudas básicas para crear una obra y que a todos nos pueden surgir por mucho que lleves mucho tiempo creando (ya que cada creación y su proceso es distinto y no siempre conseguimos saber cómo plasmarlo a la primera) como serían las dudas de la luz que quieres utilizar, la mejor elección de paleta, las líneas de definición según la iluminación e incluso el clima que quieres plasmar.
Este libro es una de mis nuevas recomendaciones a cualquier persona que quiera pintar, ya sea como hobby o como profesional, ya que como he dicho es una constante guía a la que poder acudir de manera rápida y sencilla e incluso me atrevería a decir que es de las mejores elecciones que podía haber hecho de las lecturas de la lista, ya que estoy casi convencida de que me va a acompañar durante toda la carrera de Bellas Artes.
A pesar de todo su adaptación al cine me parece casi imposible de realizar por la cantidad de contenido que tiene y que estaría realizado para un público específico que ya acudiría con unas bases artísticas por el simple hecho de la compresión durante la película. Aunque considero inviable su transformación a un proyecto de cine, sí que podía simplificarse un poco la información y llevarlo a un documental dividido en unos cuantos capítulos de manera que finalmente sería más tiempo que una película común, pero estaría todo lo necesario y plasmado de manera audiovisual (ya que actualmente los documentales de los que tengo consciencia sobre luz y color apenas llegan a la hora por lo que el contenido está mucho más reducido).
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